I personaggi

Il desiderio è quello che il personaggio vuole e che persegue consapevolmente: vincere la gara, ritrovare il fratello, ottenere il lavoro. Il bisogno è quello di cui ha davvero bisogno per stare meglio, e spesso non lo sa: imparare a fidarsi, perdonare, accettare un limite. Le storie più belle nascono quando desiderio e bisogno sono in contrasto: per ottenere ciò di cui ha bisogno, il personaggio deve rinunciare a ciò che vuole, o cambiarlo.

Il desiderio muove la trama, il bisogno muove il personaggio. Lo spettatore segue con interesse la corsa verso il desiderio, ma si emoziona quando il personaggio, quasi senza accorgersene, si avvicina al suo bisogno. Un esempio inventato: un pianista vuole vincere un concorso per dimostrare al padre di valere qualcosa. Il suo bisogno è smettere di cercare quell'approvazione. Alla fine può perdere il concorso e, proprio per questo, sentirsi finalmente libero.

In praticaScrivi in una riga il desiderio del protagonista e in un'altra il suo bisogno. Se coincidono, la storia rischia di essere piatta.

La ferita è un evento del passato che ha segnato il personaggio e che spiega le sue paure, le sue difese e le sue scelte sbagliate. Non serve raccontarla tutta: spesso basta lasciarla intuire. Una persona che controlla tre volte di aver chiuso il gas ci dice già qualcosa, senza bisogno di un flashback.

La ferita produce quasi sempre una convinzione sbagliata: non posso fidarmi di nessuno, se mi lego a qualcuno lo perderò, devo fare tutto da solo. È questa convinzione, più della ferita stessa, a guidare le scelte del personaggio nella storia. Il percorso del personaggio consiste spesso nel mettere in discussione proprio quella convinzione. Quando finalmente agisce contro di essa, lo spettatore sente che è cambiato davvero, anche se nessuno lo dice a parole.

In praticaConosci la ferita di ogni personaggio principale, anche se nel film non la mostrerai mai. Guiderà ogni sua reazione.

• Arco positivo: il personaggio supera un limite e diventa migliore.
• Arco negativo: il personaggio cede alle sue debolezze e si perde.
• Arco piatto: il personaggio non cambia, ma cambia il mondo intorno a lui grazie alla sua convinzione.

Il cambiamento deve essere graduale e guadagnato: ogni scena spinge un po' più in là, finché la scelta finale lo rende evidente. Un arco credibile ha bisogno di momenti di ricaduta. Il personaggio prova a cambiare, sbaglia, torna alle vecchie abitudini e poi ci riprova. Un cambiamento in linea retta, senza esitazioni, sembra falso, perché nella vita nessuno cambia così.

L'arco più difficile da scrivere è quello piatto: il protagonista resta saldo nelle sue convinzioni e sono gli altri a trasformarsi. Funziona quando il mondo mette davvero alla prova quelle convinzioni, fino a far temere che possano spezzarsi.

In praticaConfronta la prima e l'ultima scena del protagonista: cosa fa di diverso nella stessa situazione?

Un protagonista deve fare delle scelte. Se le cose gli succedono e basta, lo spettatore smette di identificarsi con lui. Le scelte più interessanti sono quelle difficili: tra due cose giuste, o tra due cose sbagliate. È lì che si capisce chi è davvero un personaggio.

Essere attivi non significa essere sempre in movimento o vincere sempre. Anche un personaggio che rinuncia, aspetta o resta in silenzio può essere attivo, se quella rinuncia è una scelta consapevole che ha delle conseguenze. Il protagonista passivo è uno dei difetti più comuni nelle prime sceneggiature. Succede quando la storia è guidata dagli eventi esterni e il personaggio si limita a reagire. La soluzione è dargli un obiettivo chiaro e fargli prendere l'iniziativa, anche sbagliando.

In praticaPer ogni scena del protagonista chiediti: cosa decide qui? Se non decide niente, prova a dargli una scelta.

Un antagonista forte rende forte la storia. La regola più importante: l'antagonista è convinto di avere ragione. Ha un obiettivo, delle motivazioni e una sua logica. Non deve per forza essere un cattivo: può essere un genitore che protegge troppo, un rivale leale, un'istituzione, la natura o il protagonista stesso.

L'antagonista migliore è quello che colpisce proprio il punto debole del protagonista. Se l'eroe ha paura di essere abbandonato, l'antagonista lo isola; se l'eroe ha bisogno di controllo, l'antagonista porta il caos. In questo modo il conflitto esterno costringe a quello interiore. Un buon antagonista deve anche essere all'altezza. Se è troppo debole, la vittoria del protagonista non vale nulla; se è più forte e più intelligente, ogni passo avanti dell'eroe diventa una conquista che lo spettatore vive con lui.

In praticaRacconta la storia dal punto di vista dell'antagonista, almeno per te: se regge, hai un buon antagonista.

Ogni personaggio secondario deve avere una funzione nella storia del protagonista: lo aiuta, lo ostacola, gli mostra un'altra strada possibile o gli fa da specchio. Il personaggio specchio è particolarmente utile: vive una situazione simile e fa una scelta diversa, mostrando al protagonista e allo spettatore cosa potrebbe succedere.

I personaggi secondari servono anche a far emergere lati diversi del protagonista. Con un amico d'infanzia può essere ironico e rilassato, con un superiore rigido e insicuro. Ogni relazione mostra una sfaccettatura diversa della stessa persona. Anche un personaggio che compare in una sola scena merita un tratto preciso: un modo di parlare, un'abitudine, un desiderio piccolo ma riconoscibile. Bastano pochi secondi per renderlo vivo, e un mondo popolato di persone vere rende più credibile tutta la storia.

In praticaSe due personaggi secondari hanno la stessa funzione, uniscili in uno solo. Il film sarà più chiaro e ogni attore avrà più spazio.

Un personaggio si costruisce con ciò che fa, ciò che possiede e come parla, molto più che con ciò che dice di sé.

• Azioni: come reagisce sotto pressione, cosa fa quando nessuno lo guarda.
• Oggetti: cosa porta in tasca, come tiene la casa, cosa non butterebbe mai.
• Linguaggio: lessico, ritmo, ciò che evita di dire.

Le contraddizioni rendono un personaggio vivo. Una chirurga freddissima in sala operatoria che piange davanti ai cartoni animati, un uomo violento che coltiva rose: sono i contrasti a far sentire che dietro c'è una persona vera e non uno stereotipo.

La caratterizzazione va costruita poco alla volta. Presentare tutti i tratti di un personaggio nella prima scena è come leggere una scheda: meglio rivelarli man mano, quando servono alla storia e quando lo spettatore ha già voglia di saperne di più.

In praticaScegli un oggetto che rappresenti il tuo protagonista e fallo comparire in momenti chiave: diventerà un simbolo senza bisogno di spiegazioni.

Il dialogo al cinema non riproduce le conversazioni reali: le distilla. Toglie saluti, ripetizioni e chiacchiere e lascia solo ciò che fa avanzare la storia o rivela i personaggi.

• Ogni personaggio deve avere una voce riconoscibile.
• Le battute migliori sono reazioni, non spiegazioni.
• Evita che due personaggi si dicano cose che sanno già entrambi solo per informare lo spettatore.

Nei dialoghi conta molto anche ciò che i personaggi evitano di dire. Le pause, le domande che restano senza risposta, i cambi di argomento improvvisi raccontano la tensione tra le persone più di qualsiasi dichiarazione esplicita.

Ogni scena di dialogo dovrebbe essere una piccola battaglia: due personaggi che vogliono cose diverse e usano le parole per ottenerle. Quando entrambi vogliono la stessa cosa e sono d'accordo su tutto, la scena di solito si spegne.

In praticaLeggi i dialoghi ad alta voce. Se una frase ti imbarazza mentre la dici, imbarazzerà anche l'attore.